CONOCIMIENTO Y ANALISIS DE LA PINTURA DE ODD NERDRUM
MARIA DEL CARMEN LOPEZ RODRIGUEZ
POSGRADO EN ARTES VISUALES
PINTURA FIGURATIVA
UNIDAD TEMATICA
CONOCIMIENTO Y ANALISIS DE LA PINTURA DE ODD NERDRUM.
INDICE.
Introducción
Capítulo I Su pintura.
I.1 CLASIFICACION DE SU OBRA.
I.2. LA TECNICA Y LOS MODELOS
Capítulo II El paisaje y Lo Kitsch
II.1 COMPOSICION Y SIMBOLISMO
II.2 LOS TITULOS
Conclusiones
Bibliografía
Introducción.
Pintor noruego, nace en 1944, estudio en la Academia de Arte de Oslo, Noruega, mas tarde con Joseph Beuys en Nueva York. Hoy es el pintor noruego figurativo más reconocido. Su poética narrativa en la pintura esta reforzada con la aplicación de las técnicas de los grandes maestros, pero dándole una visión contemporánea, opción que aplica desde los 16 años ya que según sus palabras “Hay que tener la libertad de escoger del pasado” . Tuvo su primera exposición en 1964.
Su obra forma parte de colecciones de museos como el Metropolitano de Nueva York, Museo de Arte de Detroit, etc.
Da clases en la Universidad de Arte de Oslo y ha formado a un gran número de alumnos seguidores de la pintura figurativa. El se autodefine como un pintor Kitsch.
Es representado por la Forum Gallery de Nueva York. Su taller en Oslo recibe alumnos que pasan un riguroso proceso de selección.
Capítulo I. Su pintura.
La tradición del paisaje en Noruega prevaleció durante el siglo XIX siguió hasta principios del siglo veinte en que las corrientes modernistas pasaron a tomar el papel principal, Eduard Munch fue importante en ese sentido, aunque no siempre aceptado por los salones oficiales, que eran importantes para todo pintor que quisiera figurar y en todo caso vivir de su trabajo. Hans Dahl pintor de paisajes hasta entrado en siglo veinte con obra importante en los principales museos es referente junto con otros como Christian Skredsvig, Hans Fredrikgure, Anders Askelvold. Sin embargo el cuestionamiento lógico de un pintor es cuanto ha de conceder al mercado y si él es capaz de incidir en ese mundo con una expresión contundente que mueva a la reflexión y ocasione sorpresa al apreciar la obra.
“La innovación no es lo importante, no es original. Yendo en profundidad y siendo absorbidos en el objetivo, para la representación de la naturaleza se miente a sí mismo en la expresión individual”.
.
Bajo estos conceptos realizó gran cantidad de trabajos, pinturas, dibujos y grabados que le dieron cierto nombre en el ámbito del arte de su país, Noruega. Las influencias de esta época se enmarcan en los pintores paisajistas noruegos de finales del siglo XIX. Siendo el tipo de composición, la paleta y la manera más tradicional de representar el paisaje lo que le permite a Nerdrum incidir en el circulo de arte de los años setentas y principios de los ochentas
I.1 CLASIFICACION DE SU OBRA.
Es posible ubicar su obra en tres categorías:
1. Obras de formato pequeño, naturalezas, realizadas generalmente con una sola imagen, que puede ser un bebe, un tabique o una dentadura etc. A estas imágenes no las ubica en una mesa o plataforma, estas sostenidas por la atmósfera pictórica creada.
2. Retratos y Autorretratos en ocasiones sin fondos o con un paisaje atmosférico, vestidos con pieles y ropas de otros tiempos.
Nora 1981, 60 x 45 cm Autorretrato con la Corona de Hierba 2006, 80 x 70 cm
3. Cuadros de gran formato, alegóricos, que describen tiempos pasados de nuestra civilización. Los fondos son paisajes hechos de estudios y bocetos realizados en sus frecuentes viajes a Islandia.
La negociación 1995, 180 x 210 cm
La tradición del paisaje en Noruega prevaleció durante el siglo XIX siguió hasta principios del siglo veinte en que las corrientes modernistas pasaron a tomar el papel principal, Eduard Munch fue importante en ese sentido, aunque no siempre aceptado por los salones oficiales, que eran importantes para todo pintor que quisiera figurar y en todo caso vivir de su trabajo. Hans Dahl pintor de paisajes hasta entrado en siglo veinte con obra importante en los principales museos es referente junto con otros como Christian Skredsvig, Hans Fredrikgure, Anders Askelvold. Sin embargo el cuestionamiento lógico de un pintor es cuanto ha de conceder al mercado y si él es capaz de incidir en ese mundo con una expresión contundente que mueva a la reflexión y ocasione sorpresa al apreciar la obra.
“La innovación no es lo importante, no es original. Yendo en profundidad y siendo absorbidos en el objetivo, para la representación de la naturaleza se miente a sí mismo en la expresión individual”.
I.2 LA TECNICA Y LOS MODELOS
Es evidente que la obra de Rembrandt fue retomada por Odd Nerdrum a partir de los años setenta, lo podemos constatar en la elección del tamaño del formato, las líneas compositivas, la dinámica de los personajes, Nerdrum añade una paleta de mayor contraste, pero conservando el mismo factor de Luz en la utilización del contraste claro-oscuro que da mayor dramatismo a la acción, esto es posible comprobarlo en “La muerte de Andreas Baader” de Nerdrum y “Sansón cegado por los filisteos” de Rembrandt. La elección del tema en la obra de Nerdrum ya representó un factor de controversia, por las características del personaje alemán, Baader fue miembro de las brigadas rojas en Alemania, fue perseguido y arrestado y muerto en prisión en noviembre de 1977 de manera sospechosa junto con otros cinco de sus compañeros, las autoridades alemanas alegaron que fue un suicidio, cosa que la prensa y la opinión pública no lo dieron por valido. Y para estas obras en ese tiempo fue determinante el factor político. Pero Nerdrum tomo la experiencia, a mi manera de ver, de forma positiva y el mismo lo cuenta:
“A finales de los años setenta fui elegido para ubicar dos de mis cuadros de gran formato en el vestíbulo de las escaleras de la nueva residencia para estudiantes de la Universidad de Oslo. Elegí el Arresto y La muerte de Andreas Baader. En ese tiempo yo sobrevivía vendiendo mis grabados, era una realidad que en ese tiempo el artista tenía que pagar para exhibir, de cualquier manera yo me daba por bien servido, porque por fin dos de mis obras de gran formato serian expuestas al público, que en ese vano de la escalera semejaban a una capilla de Caravaggio, nunca pensé que a nadie le molestara la exposición, pero el comité de arte de la Academia decidió que esa pinturas en ese particular espacio no debían estar. Me sorprendió leer la carta donde me comunicaban que esa decoración seria retirada por la noche. Me indigne y busque a un miembro del comité el artista Arvid Pettersen. Lo mire a los ojos y le pregunte qué ¿cómo podía hacerle eso a un colega? Me miro fijamente y no me contesto. Entonces tuve el sentimiento que él había entendido algo que yo no. Que yo no era un artista. La gente había venido escribiendo que yo era un antiartista y cosas como esas. Mi profundización dentro de la Historia del Arte y en la historia del gran Cézanne que rompiendo en los inicios del siglo XX con un arte que provenía del impulso metafísico de las nuevas ciencias y como el encontró el significado y sustancia de cierta verdad en su expresión…… Hoy, al final del siglo, nosotros podemos ver, el paradójico resultado. El Modernismo mismo se volvió una tradición que fue conquistando a todo el oeste del mundo. Instituciones, críticos, artistas, y nada menos que la educación pública estuvo obligada a abrirse a lo nuevo. Esto no es lo malo, que se haya vuelto tradicional. Sino que el Modernismo saco fuera a todas las otras corrientes…
Son ejemplo de todo el discurso anterior todas las obras posteriores a 1979. La aplicación de la técnica, las reglas compositivas del renacimiento, el motivo, el formato, la vestimenta del pasado; Su detenida y meditada observación de los pintores del pasado que el admira; lo que en pintura llamamos la técnica de fabricar uno mismo sus materiales; La exigencia auto impuesta de desarrollar esos materiales al máximo.
Capítulo II El paisaje y Lo Kitsch
Es importante hacer notar que el cambio de una poética a otra en la obra de Odd Nerdrum fue radical, de solo emular a los paisajistas de su país, después durante algún tiempo realizo paisaje urbano con los colores de una paleta que se acercan más a un modernismo. El regresar a la técnica de la pintura del los siglos XVI, XVII, XVIII y representar a la figura humana en sus orígenes, con su vestimenta, con los paisajes de tiempos actuales ubicados como escenario de otros tiempos; es lo que actualmente a Nerdrum le hace autoproclamarse como un pintor Kitsch.
“Todo en mi arte tiene que estar en la superficie…nada contemporáneo, ni intelectual”, …. De la misma manera que el cristianismo sataniza todas las otras religiones. El Kitsch – significa la antítesis del arte moderno. Kitsch vino a unificar el concepto para todo lo que no fuera intelectual y nuevo, todo lo que fuera concebido como café, pasado de moda, sentimental, melodramático y patético…….Kitsch es acerca de las eternas preguntas del hombre, lo patético, en cualquiera de sus formas, acerca de lo que nosotros llamamos < el humano>……. Kitsch es pasión en todos sus niveles y no un servidor de la verdad. Por el contrario, está relativamente entre la religión y la verdad…. En oposición al arte que escarba en lo nuevo, Kitsch vaga alrededor y entre las formas familiares de la historia. Viene a engrosar y a expandir la expresión más allá – de cualquier toque de exageración, eso que Baudrillard llamaba. Si en Kitsch pasa que se crea algo nuevo, eso debe ser una excepción, tal como encontramos en Rodin su insaciable pasión.
Su poética Kitsch que de alguna manera, choca, sorprende, es criticada y cumple con el objetivo de haber trascendido en el ámbito de la pintura figurativa contemporánea y sobre todo eso, que se posiciona en un espacio que solo la escuela inglesa neofigurativa han podido establecer. Thomas Kulka en su libro Kitsch an Art dice “Cualquiera que usa este término implica un juicio negativo estético acerca de los trabajos de arte que gustan a un gran número de gente, Kitsch simplemente es un concepto de la elite y sin darle cambios en su significado, yo me quedo con el”
II.1 COMPOSICION Y SIMBOLISMO
La composición y estructuración de su obra nunca fue sencilla, retoma lo académico en cuanto el uso de un esquema áureo que determina la ubicación de sus personajes, en un principio solo una línea de horizonte determinaba la separación de los planos cielo y tierra con una profundidad creada por color, en todo caso el uso del contraste claro oscuro es determinante en su obra. El espacio está determinado primero por sus cielos, que pasan a ser simbólicos con los atributos que se le dan dentro de la iconografía, y muy usados durante la pintura renacentista: Cielo: Produce y nutre a todos los seres vivos fecundando la tierra con sus humores acuosos. Representa la conciencia y una dimensión superior a la sensual y terrena.
La representación del Crepúsculo en la obra de Nerdrum es constante. Como muchas situaciones simbólicas presenta una duplicidad, puede ser comparado con la vejez y la proximidad de la muerte y del olvido o representar emociones y sentimientos como la nostalgia. Los pintores románticos utilizaron los cielos encendidos para acentuar el valor emotivo de la escena representada; pueden ser tanto una imagen de la potencia de Dios (Friedrich) como un símbolo de lo trágico del destino humano (Turner).
La aurora separa el día de la noche y tanto uno como la otra son visibles en naturaleza e intensidad: pues sin los contrarios, nada se puede manifestar, la mañana seria la iluminación ilimitada del universo y la tarde la aniquilación ilimitada de la existencia en los orígenes del universo, y en ese sentido es utilizada por Nerdrum.
A partir de 1984 elimina el horizonte de línea recta en sus paisajes y establece una referencia esférica en sus composiciones, realizando el horizonte curvado, dándole al espectador un punto de vista lejano y capaz de observar la curvatura de la tierra. Los títulos de estas obras hacen referencia a la circunstancia del personaje, a sus atributos, a las acciones que realizan. También a partir de esta fecha la paleta cambia, elimina el contraste de complementarios e incluso el de color y prácticamente limita su obra al contraste claro oscuro con los tonos de la pintura de Rembrandt, lo que enfatiza la característica de realizar una obra del pasado, con personajes del pasado y con cargas simbólicas y situaciones que provocan sorpresa y desconcierto en una parte de los espectadores.
La visión de hombres mancos, sin piernas e inmovilizados, en su espacio pictórico suscita cierto desasosiego y rechazo reacciones que son buscadas por el autor de todas estas obras
La soledad, miedo, brutalidad, sexualidad, nacimiento, forman parte de sus temas en estas obras de gran formato con paisaje. Reduce el mundo a lo elemental, aquello que es necesario para sobrevivir, comida, protección, también amor, familia, comunidad, cooperación, belleza.
El sueño, la noche, ritos del pasado, dan carga simbólica a las obras de Nerdrum, que las trabaja con modelos para resolver las figuras y con los paisajes de Islandia que le han dado un marco adecuado al conjunto de la obra. A principio de los años noventa, con este trabajo incursiona en Nueva York con un exposición que causa cierto impacto y que consigue artículos en las dos principales revistas que se editan en dicha ciudad, Art News, y Art in América, en principio lo que le gana adeptos es la “novedad” para la época, de la técnica de que hace gala, ya que presento entre otros uno de sus autorretratos con la pose de Rembrandt, los colores y la técnica de Rembrandt y que además no se conocía en dicho ámbito a otro pintor noruego que no fuera Munch. En estas tres obras Nerdrum crea ecos visuales de personas a objetos: tres montañas, tres hombres, escuadras humanas, nubes que lo parecen.
En la obra Hombre imitando la nube, repite y exagera el horizonte circular, las rocas forman un círculo que enmarca la luz que permite observar el instante que la acción del hombre, este mira e introduce al espectador a la obra a la manera renacentista.
Una visión panteísta es abordada por Nerdrum al ubicar a sus personajes en un tiempo pasado, determinado por los elementos de la naturaleza, el cielo, la tierra, las rocas, el agua etc. y que esos elementos son de alguna manera los que determinan el destino de estos personajes, de esta manera los paisajes de Nerdrum, no son solo escenografías que enmarcan la acción de sus personajes, sino que toman un carácter protagónico y determinante en la acción reflejada. Un círculo de rocas o un círculo de agua como un espejo va a tener distintas connotaciones en la escena. El círculo de rocas brinda un aspecto ceremonial, de protección, manifestando un ritmo cíclico de la vida.
El espejo “del latín speculum derivado del verbo specere,y En este caso un espejo de agua que reúne a los personajes a su alrededor escudriñando la superficie que en su carácter simbólico que reviste dos significados uno negativo que alude a la vanidad, soberbia o el positivo como símbolo del conocimiento interior, o iniciático. En su superficie se materializa la imagen del alma, el yo interior y oculto del hombre.
La serpiente fue el símbolo central de muchas sectas de la Antigüedad tardía. Fue venerada como demiurgo por los Nassenianos (Nass: serpiente en hebreo) y como hijo de Dios salvador por los ofitas (del griegoserpiente).
Un desierto, la noche, una carrera que simboliza un proceso vital que se altera por la inclusión de una serpiente, que englobando todo, solo representa la muerte, aunque en el Renacimiento la serpiente también simbolizaba la esperanza de resurrección.
La noche es la madre primordial, generadora de todos los principios cósmicos. Según los Himnos órficos se une al viento y pone un gran huevo plateado (la Luna) del que nace Eros-Fanes, el deseo que mueve el universo. Estaban considerados como hijos suyos también el cielo y la tierra, el Sueño y la Muerte. Como matriz universal, la Noche está ligada al elemento acuático y subterráneo, lugar de la gestación de las semillas de todas las cosas. La noche representa además la dimensión del sueño y del Eros y la entrada en el reino de lo fantástico y lo oculto.
La muerte representa el final de todo principio vital y lo ineluctable del destino del hombre. Al igual que todos los grandes arquetipos, es un símbolo ambivalente y se presta a múltiples representaciones, hija de la Noche y hermana del sueño, la muerte. La “Muerte en pareja” se contrapone en principio a la simbología de la pareja Hombre-mujer que representa la vida. El escenario nocturno, el rictus catatónico de la pareja, no deja lugar a duda del hecho representado que suscita desconcierto por la escena total.
II.2 LOS TITULOS
Los títulos que utiliza Nerdrum en algunas ocasiones orientan, descubren o confirman las obras. Algunas veces se contraponen a lo que vemos, creando una contradicción “cuestionando las primeras indicaciones visuales de la pintura, frente a las que el titulo se sitúa, precisando de nuevo un ajuste, una revisión de ambos indicadores confrontados de cara a la significación”
Resulta importante hacer notar que al mismo tiempo que usa las técnicas, también utiliza los recursos compositivos del renacimiento: la composición áurea, a primera vista todas sus composiciones son armónicas, no hay puntos de desequilibrio en el esquema estructural que se percibe, si hacemos un trazado de puntos áureos sobre cualquier composición podemos constatar que la retícula áurea ha sido utilizada previamente al dibujo y posterior pintura. En esta obra solo se traza un esquema áureo sencillo y las zonas áureas centrales coinciden con la ubicación de los personajes, con el punto de arranque en los extremos de horizonte. Los factores de luz y oscuridad también están determinados por este plano compositivo, dándole relevancia al personaje que se quiera destacar con una mayor iluminación como si fuera una representación teatral.
Algunas obras las podemos agrupar por presentar ciertas características comunes: uno o dos personajes en primer plano, colocados en un espacio abierto en una zona áurea, el paisaje esta al fondo como continuidad del primer plano.
O pueden estar las figuras en un espacio cerrado y ese paisaje funcionar como un lejos a la manera renacentista. “Muchacho con icono” el tamaño del formato nos indica que es un retrato de una persona especial para el pintor, porque fuera de sus autorretratos, y los cuadros de sus hijas a distintas edades, Nerdrum no hace retratos a consigna.
En este caso usa una cortina de sarga o piel para limitar el espacio y para establecer un equilibrio, desvela un trozo mínimo del paisaje exterior. En la danza con la serpiente, el mismo recurso de usar una cortina marrón separa el espacio del hombre con casco y el danzante con la serpiente, el paisaje ocupa la mitad del plano compositivo, pero igual funciona como un lejos.
Revisando su obra al paso de tiempo, observamos repeticiones, o constantes sobre la composición y la temática. Comparando estas dos imágenes podemos observar la repetición de las líneas compositivas en el esquema estructural de las obras, de igual manera los pesos visuales son equilibrados por el contraste claro oscuro, estableciendo mayor luminosidad en el hecho que se quiere destacar. Los títulos y temas en estos casos se refuerzan en uno más que en otro la acción reflejada. Otra vez vemos en “tres dadores de nombre” el uso del espejo de agua, en este caso para vislumbrar o mirar el nombre solicitado. “Enterrada viva” confirma el futuro de la acción de la obra, que aunque sitúa a los personajes en un tiempo pasado, aun en estos días podemos constatar la vigencia del hecho. El desconcierto, sorpresa, horror creado por los temas son establecidos como una constante en la obra de Nerdrum. El paisaje en estos casos es parte de la acción, son espacios abiertos con la acción en primer plano en los que se crea profundidad por medio de la perspectiva de color y compositiva. En esta como en otras obras, aparece un rifle, lo que le da al hecho cierto periodo de tiempo en el que puede ser ubicado por el uso de estas armas.
Otro tema que ha repetido Nerdrum es el Hermafrodita. “En la mitología clásica el andrógino
adopta el aspecto de Hermafrodita, el híbrido divino nacido del amor de Hermes y Afrodita….representa la unión armónica de los principios masculino y femenino, de acuerdo con la concepción esotérica de la divinidad como síntesis de todas las contradicciones fundamentales (el uno, el ser, el todo)….es el portador del conocimiento iniciático y del amor universal.”
En Hermafrodita de 1992, el personaje aparece dentro de un estanque de agua, observando su reflejo y siendo observado a su vez por otro personaje escondido en un montículo de un segundo plano; en una segunda obra sobre el tema, el mismo título implica la acción de cinco personajes en la composición, el paisaje crea atmósfera en ambas composiciones y se prolonga más allá de los primeros planos con porciones del mismo que denotan un horizonte.
En Odd Nerdrum, la erección, orinar, cagar, pelear, son hechos comunes. En muchos aspectos, algunos consideraran estos trabajos obscenos, el artista parece evitar el acto sexual en sí, para no entrar en lo pornográfico y su trabajo aborda cualquier imagen que tenga que ver con lo cotidiano. A la manera de Nerdrum lo coprofilico, necrofilico, escatológico y lo fálico son expuestos ante el público creando sorpresa, discusión y escándalo, lo cual ocurrió en la inauguración de una exposición en la galería Fórum en Los Ángeles, California en el año 2001, la prensa de esta zona de Los Ángeles , sin dejar de anotar la buena factura de la obra y considerar que al igual que Lucian Freud es de los pocos en estos tiempos que les importa el aspecto técnico y que hay una corriente de pintores jóvenes que los siguen, no dejo de contraponer el estatus y la forma de vida de la elite de los habitantes de la ciudad, y si serian capaces de colgar en su sala a tres mujeres cagando en una roca, que además tenía un precio de $ 265 000.00 dólares. Todo se vendió. En esta obra en particular es de hacer notar que la paleta del pintor se aclara, introduciendo mas tonos naranjas y dorados en los cuerpos completos de las tres mujeres y en el paisaje que se contrapone a la oscuridad y forma de la mujer del cuadro “Mujer orinando” de 1998.
Son parte de la misma exposición, dos autorretratos de Nerdrum en el primero en un espacio cerrado se presenta levantándose la capa y mostrando el pene erecto, fue comparado a la pose que realizo Demi Moore para un magazín mostrando su embarazo; en la segunda obra Nerdrum aparece en un espacio abierto con un paisaje lleno de claridad el artista porta su paleta de pintor en una mano y en la otra un pincel y lo titula “Autorretrato como el profeta de la pintura”, el culto a su ego es evidente, han sido muchos los pintores que se han retratado con su paleta o con su caballete, o que se han retratado punto, lo cual implica cierto egocentrismo, pero sin atribuirse ser el profeta de la pintura, excepción lo que hizo Gauguin, otorgándose atributos de divinidad colocándose una aureola sobre la cabeza, así como los símbolos de Adán, la manzana y la serpiente.
Las dos obras siguientes también forman parte de la exposición mencionada y les une una característica más, técnicamente Nerdrum establece como dominante el blanco, en este caso el blanco de plomo mezclado con los colores o aplicado solo, empastado o en veladuras.
En “en la cumbre” en un primer plano aparece un bebe, envuelto a la manera nórdica, una pareja de espaldas y desnudos sentados al borde de una cima, tienen ante sí la inmensidad de un paisaje lleno de luz que les da un aislamiento total, salvo su propia compañía. .
En los “vigilantes del mar” retoma el recurso de la réplica de formas y personajes, la paleta de color también se aclara en tonos ocres y el empaste se observa en algunas zonas de ambas composiciones
Con obras de posterior exhibición como “autorretrato como bebe” y el sueño del profeta las podemos ubicar dentro de la retórica de la pintura como injerencias antonomasicas, en el primero ubicando al bebe en un paisaje con árboles, cosa inusitada dentro de la temática en los paisajes de Nerdrum, el niño en una pose de meditación y con gestos en las manos de profecía, atrás de él en una pértiga cuelga una piel o animal, se implica que de un sacrificio o ritual. La composición es central, pero armónica.
En el sueño del profeta, Nerdrum repite su atribución profética y se ubica en un primer plano de la composición, en un lecho envuelto con pieles, pero con un cuerpo de hombre con senos y una vagina, cuyo sueños pretende ser interrumpido por el personaje con escudo y casco, hay otros observadores de la acción en un segundo plano de un paisaje hay otros observadores de la acción en un segundo plano de un paisaje que a lo lejos tiene volcanes en actividad por lo que se explica la oscuridad de la atmósfera de la obra. Por la forma en que está envuelto parece que el cuerpo esta mutilado de las rodillas hacia abajo.
El titulo y la acción aluden al sueño que de manera simbólica utiliza Nerdrum como todas las demás actitudes de los personajes de sus obras. El sueño como símbolo deriva de visiones místicas de monjes medievales y de la literaria profana y religiosa y se caracteriza, como un estado psíquico que escapa completamente al control racional de sujeto y libera sus pulsiones inconscientes.
Puede tener valor premonitorio, profético, introspectivo, iniciático, visionario, telepático o catártico.
CONCLUSIONES
BIBLIOGRAFIA
CALVO, Serraller Francisco, Concepto e Historia del Paisaje, Madrid, Nerea 1993
KULKA, Thomas, KITSCH AND ART, Penn State, University Press, 1996
MIT, Geles, El título en las artes plásticas, I. Alfonso el Magnánimo, Valencia, 2002
RUHRBERG, Karl y otros, Arte del siglo XX, Barcelona, Taschen 2001
SCHAMA, Simón, Los ojos de Rembrandt, Barcelona, Plaza y Janes Ed. 2002
ARTICULOS
Art in Oslo Norway, September 1998.
POSGRADO EN ARTES VISUALES
PINTURA FIGURATIVA
UNIDAD TEMATICA
CONOCIMIENTO Y ANALISIS DE LA PINTURA DE ODD NERDRUM.
INDICE.
Introducción
Capítulo I Su pintura.
I.1 CLASIFICACION DE SU OBRA.
I.2. LA TECNICA Y LOS MODELOS
Capítulo II El paisaje y Lo Kitsch
II.1 COMPOSICION Y SIMBOLISMO
II.2 LOS TITULOS
Conclusiones
Bibliografía
Introducción.
Pintor noruego, nace en 1944, estudio en la Academia de Arte de Oslo, Noruega, mas tarde con Joseph Beuys en Nueva York. Hoy es el pintor noruego figurativo más reconocido. Su poética narrativa en la pintura esta reforzada con la aplicación de las técnicas de los grandes maestros, pero dándole una visión contemporánea, opción que aplica desde los 16 años ya que según sus palabras “Hay que tener la libertad de escoger del pasado” . Tuvo su primera exposición en 1964.
Su obra forma parte de colecciones de museos como el Metropolitano de Nueva York, Museo de Arte de Detroit, etc.
Da clases en la Universidad de Arte de Oslo y ha formado a un gran número de alumnos seguidores de la pintura figurativa. El se autodefine como un pintor Kitsch.
Es representado por la Forum Gallery de Nueva York. Su taller en Oslo recibe alumnos que pasan un riguroso proceso de selección.
Capítulo I. Su pintura.
La tradición del paisaje en Noruega prevaleció durante el siglo XIX siguió hasta principios del siglo veinte en que las corrientes modernistas pasaron a tomar el papel principal, Eduard Munch fue importante en ese sentido, aunque no siempre aceptado por los salones oficiales, que eran importantes para todo pintor que quisiera figurar y en todo caso vivir de su trabajo. Hans Dahl pintor de paisajes hasta entrado en siglo veinte con obra importante en los principales museos es referente junto con otros como Christian Skredsvig, Hans Fredrikgure, Anders Askelvold. Sin embargo el cuestionamiento lógico de un pintor es cuanto ha de conceder al mercado y si él es capaz de incidir en ese mundo con una expresión contundente que mueva a la reflexión y ocasione sorpresa al apreciar la obra.
“La innovación no es lo importante, no es original. Yendo en profundidad y siendo absorbidos en el objetivo, para la representación de la naturaleza se miente a sí mismo en la expresión individual”.
.
Bajo estos conceptos realizó gran cantidad de trabajos, pinturas, dibujos y grabados que le dieron cierto nombre en el ámbito del arte de su país, Noruega. Las influencias de esta época se enmarcan en los pintores paisajistas noruegos de finales del siglo XIX. Siendo el tipo de composición, la paleta y la manera más tradicional de representar el paisaje lo que le permite a Nerdrum incidir en el circulo de arte de los años setentas y principios de los ochentas
I.1 CLASIFICACION DE SU OBRA.
Es posible ubicar su obra en tres categorías:
1. Obras de formato pequeño, naturalezas, realizadas generalmente con una sola imagen, que puede ser un bebe, un tabique o una dentadura etc. A estas imágenes no las ubica en una mesa o plataforma, estas sostenidas por la atmósfera pictórica creada.
Infantil 1982, 54 x 75 cm
Ladrillo blanco 1984,
42 x 55 cm. Walker Art Center
2. Retratos y Autorretratos en ocasiones sin fondos o con un paisaje atmosférico, vestidos con pieles y ropas de otros tiempos.
Nora 1981, 60 x 45 cm Autorretrato con la Corona de Hierba 2006, 80 x 70 cm
3. Cuadros de gran formato, alegóricos, que describen tiempos pasados de nuestra civilización. Los fondos son paisajes hechos de estudios y bocetos realizados en sus frecuentes viajes a Islandia.
La negociación 1995, 180 x 210 cm
La tradición del paisaje en Noruega prevaleció durante el siglo XIX siguió hasta principios del siglo veinte en que las corrientes modernistas pasaron a tomar el papel principal, Eduard Munch fue importante en ese sentido, aunque no siempre aceptado por los salones oficiales, que eran importantes para todo pintor que quisiera figurar y en todo caso vivir de su trabajo. Hans Dahl pintor de paisajes hasta entrado en siglo veinte con obra importante en los principales museos es referente junto con otros como Christian Skredsvig, Hans Fredrikgure, Anders Askelvold. Sin embargo el cuestionamiento lógico de un pintor es cuanto ha de conceder al mercado y si él es capaz de incidir en ese mundo con una expresión contundente que mueva a la reflexión y ocasione sorpresa al apreciar la obra.
“La innovación no es lo importante, no es original. Yendo en profundidad y siendo absorbidos en el objetivo, para la representación de la naturaleza se miente a sí mismo en la expresión individual”.
I.2 LA TECNICA Y LOS MODELOS
El asesinato de Andreas Baader 1977,
330 x 270 cm
Sanson cegado por los filisteos 1636. Óleo sobre lienzo. 206 x 276 cm
Es evidente que la obra de Rembrandt fue retomada por Odd Nerdrum a partir de los años setenta, lo podemos constatar en la elección del tamaño del formato, las líneas compositivas, la dinámica de los personajes, Nerdrum añade una paleta de mayor contraste, pero conservando el mismo factor de Luz en la utilización del contraste claro-oscuro que da mayor dramatismo a la acción, esto es posible comprobarlo en “La muerte de Andreas Baader” de Nerdrum y “Sansón cegado por los filisteos” de Rembrandt. La elección del tema en la obra de Nerdrum ya representó un factor de controversia, por las características del personaje alemán, Baader fue miembro de las brigadas rojas en Alemania, fue perseguido y arrestado y muerto en prisión en noviembre de 1977 de manera sospechosa junto con otros cinco de sus compañeros, las autoridades alemanas alegaron que fue un suicidio, cosa que la prensa y la opinión pública no lo dieron por valido. Y para estas obras en ese tiempo fue determinante el factor político. Pero Nerdrum tomo la experiencia, a mi manera de ver, de forma positiva y el mismo lo cuenta:
“A finales de los años setenta fui elegido para ubicar dos de mis cuadros de gran formato en el vestíbulo de las escaleras de la nueva residencia para estudiantes de la Universidad de Oslo. Elegí el Arresto y La muerte de Andreas Baader. En ese tiempo yo sobrevivía vendiendo mis grabados, era una realidad que en ese tiempo el artista tenía que pagar para exhibir, de cualquier manera yo me daba por bien servido, porque por fin dos de mis obras de gran formato serian expuestas al público, que en ese vano de la escalera semejaban a una capilla de Caravaggio, nunca pensé que a nadie le molestara la exposición, pero el comité de arte de la Academia decidió que esa pinturas en ese particular espacio no debían estar. Me sorprendió leer la carta donde me comunicaban que esa decoración seria retirada por la noche. Me indigne y busque a un miembro del comité el artista Arvid Pettersen. Lo mire a los ojos y le pregunte qué ¿cómo podía hacerle eso a un colega? Me miro fijamente y no me contesto. Entonces tuve el sentimiento que él había entendido algo que yo no. Que yo no era un artista. La gente había venido escribiendo que yo era un antiartista y cosas como esas. Mi profundización dentro de la Historia del Arte y en la historia del gran Cézanne que rompiendo en los inicios del siglo XX con un arte que provenía del impulso metafísico de las nuevas ciencias y como el encontró el significado y sustancia de cierta verdad en su expresión…… Hoy, al final del siglo, nosotros podemos ver, el paradójico resultado. El Modernismo mismo se volvió una tradición que fue conquistando a todo el oeste del mundo. Instituciones, críticos, artistas, y nada menos que la educación pública estuvo obligada a abrirse a lo nuevo. Esto no es lo malo, que se haya vuelto tradicional. Sino que el Modernismo saco fuera a todas las otras corrientes…
Ley del hierro 1983, 210 x 272 cm.
Son ejemplo de todo el discurso anterior todas las obras posteriores a 1979. La aplicación de la técnica, las reglas compositivas del renacimiento, el motivo, el formato, la vestimenta del pasado; Su detenida y meditada observación de los pintores del pasado que el admira; lo que en pintura llamamos la técnica de fabricar uno mismo sus materiales; La exigencia auto impuesta de desarrollar esos materiales al máximo.
Capítulo II El paisaje y Lo Kitsch
Es importante hacer notar que el cambio de una poética a otra en la obra de Odd Nerdrum fue radical, de solo emular a los paisajistas de su país, después durante algún tiempo realizo paisaje urbano con los colores de una paleta que se acercan más a un modernismo. El regresar a la técnica de la pintura del los siglos XVI, XVII, XVIII y representar a la figura humana en sus orígenes, con su vestimenta, con los paisajes de tiempos actuales ubicados como escenario de otros tiempos; es lo que actualmente a Nerdrum le hace autoproclamarse como un pintor Kitsch.
“Todo en mi arte tiene que estar en la superficie…nada contemporáneo, ni intelectual”, …. De la misma manera que el cristianismo sataniza todas las otras religiones. El Kitsch – significa la antítesis del arte moderno. Kitsch vino a unificar el concepto para todo lo que no fuera intelectual y nuevo, todo lo que fuera concebido como café, pasado de moda, sentimental, melodramático y patético…….Kitsch es acerca de las eternas preguntas del hombre, lo patético, en cualquiera de sus formas, acerca de lo que nosotros llamamos < el humano>……. Kitsch es pasión en todos sus niveles y no un servidor de la verdad. Por el contrario, está relativamente entre la religión y la verdad…. En oposición al arte que escarba en lo nuevo, Kitsch vaga alrededor y entre las formas familiares de la historia. Viene a engrosar y a expandir la expresión más allá – de cualquier toque de exageración, eso que Baudrillard llamaba
Su poética Kitsch que de alguna manera, choca, sorprende, es criticada y cumple con el objetivo de haber trascendido en el ámbito de la pintura figurativa contemporánea y sobre todo eso, que se posiciona en un espacio que solo la escuela inglesa neofigurativa han podido establecer. Thomas Kulka en su libro Kitsch an Art dice “Cualquiera que usa este término implica un juicio negativo estético acerca de los trabajos de arte que gustan a un gran número de gente, Kitsch simplemente es un concepto de la elite y sin darle cambios en su significado, yo me quedo con el”
II.1 COMPOSICION Y SIMBOLISMO
La composición y estructuración de su obra nunca fue sencilla, retoma lo académico en cuanto el uso de un esquema áureo que determina la ubicación de sus personajes, en un principio solo una línea de horizonte determinaba la separación de los planos cielo y tierra con una profundidad creada por color, en todo caso el uso del contraste claro oscuro es determinante en su obra. El espacio está determinado primero por sus cielos, que pasan a ser simbólicos con los atributos que se le dan dentro de la iconografía, y muy usados durante la pintura renacentista: Cielo: Produce y nutre a todos los seres vivos fecundando la tierra con sus humores acuosos. Representa la conciencia y una dimensión superior a la sensual y terrena.
La representación del Crepúsculo en la obra de Nerdrum es constante. Como muchas situaciones simbólicas presenta una duplicidad, puede ser comparado con la vejez y la proximidad de la muerte y del olvido o representar emociones y sentimientos como la nostalgia. Los pintores románticos utilizaron los cielos encendidos para acentuar el valor emotivo de la escena representada; pueden ser tanto una imagen de la potencia de Dios (Friedrich) como un símbolo de lo trágico del destino humano (Turner).
La aurora separa el día de la noche y tanto uno como la otra son visibles en naturaleza e intensidad: pues sin los contrarios, nada se puede manifestar, la mañana seria la iluminación ilimitada del universo y la tarde la aniquilación ilimitada de la existencia en los orígenes del universo, y en ese sentido es utilizada por Nerdrum.
A partir de 1984 elimina el horizonte de línea recta en sus paisajes y establece una referencia esférica en sus composiciones, realizando el horizonte curvado, dándole al espectador un punto de vista lejano y capaz de observar la curvatura de la tierra. Los títulos de estas obras hacen referencia a la circunstancia del personaje, a sus atributos, a las acciones que realizan. También a partir de esta fecha la paleta cambia, elimina el contraste de complementarios e incluso el de color y prácticamente limita su obra al contraste claro oscuro con los tonos de la pintura de Rembrandt, lo que enfatiza la característica de realizar una obra del pasado, con personajes del pasado y con cargas simbólicas y situaciones que provocan sorpresa y desconcierto en una parte de los espectadores.
La visión de hombres mancos, sin piernas e inmovilizados, en su espacio pictórico suscita cierto desasosiego y rechazo reacciones que son buscadas por el autor de todas estas obras
La soledad, miedo, brutalidad, sexualidad, nacimiento, forman parte de sus temas en estas obras de gran formato con paisaje. Reduce el mundo a lo elemental, aquello que es necesario para sobrevivir, comida, protección, también amor, familia, comunidad, cooperación, belleza.
El sueño, la noche, ritos del pasado, dan carga simbólica a las obras de Nerdrum, que las trabaja con modelos para resolver las figuras y con los paisajes de Islandia que le han dado un marco adecuado al conjunto de la obra. A principio de los años noventa, con este trabajo incursiona en Nueva York con un exposición que causa cierto impacto y que consigue artículos en las dos principales revistas que se editan en dicha ciudad, Art News, y Art in América, en principio lo que le gana adeptos es la “novedad” para la época, de la técnica de que hace gala, ya que presento entre otros uno de sus autorretratos con la pose de Rembrandt, los colores y la técnica de Rembrandt y que además no se conocía en dicho ámbito a otro pintor noruego que no fuera Munch. En estas tres obras Nerdrum crea ecos visuales de personas a objetos: tres montañas, tres hombres, escuadras humanas, nubes que lo parecen.
En la obra Hombre imitando la nube, repite y exagera el horizonte circular, las rocas forman un círculo que enmarca la luz que permite observar el instante que la acción del hombre, este mira e introduce al espectador a la obra a la manera renacentista.
Una visión panteísta es abordada por Nerdrum al ubicar a sus personajes en un tiempo pasado, determinado por los elementos de la naturaleza, el cielo, la tierra, las rocas, el agua etc. y que esos elementos son de alguna manera los que determinan el destino de estos personajes, de esta manera los paisajes de Nerdrum, no son solo escenografías que enmarcan la acción de sus personajes, sino que toman un carácter protagónico y determinante en la acción reflejada. Un círculo de rocas o un círculo de agua como un espejo va a tener distintas connotaciones en la escena. El círculo de rocas brinda un aspecto ceremonial, de protección, manifestando un ritmo cíclico de la vida.
El espejo “del latín speculum derivado del verbo specere,
La serpiente fue el símbolo central de muchas sectas de la Antigüedad tardía. Fue venerada como demiurgo por los Nassenianos (Nass: serpiente en hebreo) y como hijo de Dios salvador por los ofitas (del griego
Un desierto, la noche, una carrera que simboliza un proceso vital que se altera por la inclusión de una serpiente, que englobando todo, solo representa la muerte, aunque en el Renacimiento la serpiente también simbolizaba la esperanza de resurrección.
La noche es la madre primordial, generadora de todos los principios cósmicos. Según los Himnos órficos se une al viento y pone un gran huevo plateado (la Luna) del que nace Eros-Fanes, el deseo que mueve el universo. Estaban considerados como hijos suyos también el cielo y la tierra, el Sueño y la Muerte. Como matriz universal, la Noche está ligada al elemento acuático y subterráneo, lugar de la gestación de las semillas de todas las cosas. La noche representa además la dimensión del sueño y del Eros y la entrada en el reino de lo fantástico y lo oculto.
La muerte representa el final de todo principio vital y lo ineluctable del destino del hombre. Al igual que todos los grandes arquetipos, es un símbolo ambivalente y se presta a múltiples representaciones, hija de la Noche y hermana del sueño, la muerte. La “Muerte en pareja” se contrapone en principio a la simbología de la pareja Hombre-mujer que representa la vida. El escenario nocturno, el rictus catatónico de la pareja, no deja lugar a duda del hecho representado que suscita desconcierto por la escena total.
II.2 LOS TITULOS
Los títulos que utiliza Nerdrum en algunas ocasiones orientan, descubren o confirman las obras. Algunas veces se contraponen a lo que vemos, creando una contradicción “cuestionando las primeras indicaciones visuales de la pintura, frente a las que el titulo se sitúa, precisando de nuevo un ajuste, una revisión de ambos indicadores confrontados de cara a la significación”
Resulta importante hacer notar que al mismo tiempo que usa las técnicas, también utiliza los recursos compositivos del renacimiento: la composición áurea, a primera vista todas sus composiciones son armónicas, no hay puntos de desequilibrio en el esquema estructural que se percibe, si hacemos un trazado de puntos áureos sobre cualquier composición podemos constatar que la retícula áurea ha sido utilizada previamente al dibujo y posterior pintura. En esta obra solo se traza un esquema áureo sencillo y las zonas áureas centrales coinciden con la ubicación de los personajes, con el punto de arranque en los extremos de horizonte. Los factores de luz y oscuridad también están determinados por este plano compositivo, dándole relevancia al personaje que se quiera destacar con una mayor iluminación como si fuera una representación teatral.
Algunas obras las podemos agrupar por presentar ciertas características comunes: uno o dos personajes en primer plano, colocados en un espacio abierto en una zona áurea, el paisaje esta al fondo como continuidad del primer plano.
O pueden estar las figuras en un espacio cerrado y ese paisaje funcionar como un lejos a la manera renacentista. “Muchacho con icono” el tamaño del formato nos indica que es un retrato de una persona especial para el pintor, porque fuera de sus autorretratos, y los cuadros de sus hijas a distintas edades, Nerdrum no hace retratos a consigna.
En este caso usa una cortina de sarga o piel para limitar el espacio y para establecer un equilibrio, desvela un trozo mínimo del paisaje exterior. En la danza con la serpiente, el mismo recurso de usar una cortina marrón separa el espacio del hombre con casco y el danzante con la serpiente, el paisaje ocupa la mitad del plano compositivo, pero igual funciona como un lejos.
Revisando su obra al paso de tiempo, observamos repeticiones, o constantes sobre la composición y la temática. Comparando estas dos imágenes podemos observar la repetición de las líneas compositivas en el esquema estructural de las obras, de igual manera los pesos visuales son equilibrados por el contraste claro oscuro, estableciendo mayor luminosidad en el hecho que se quiere destacar. Los títulos y temas en estos casos se refuerzan en uno más que en otro la acción reflejada. Otra vez vemos en “tres dadores de nombre” el uso del espejo de agua, en este caso para vislumbrar o mirar el nombre solicitado. “Enterrada viva” confirma el futuro de la acción de la obra, que aunque sitúa a los personajes en un tiempo pasado, aun en estos días podemos constatar la vigencia del hecho. El desconcierto, sorpresa, horror creado por los temas son establecidos como una constante en la obra de Nerdrum. El paisaje en estos casos es parte de la acción, son espacios abiertos con la acción en primer plano en los que se crea profundidad por medio de la perspectiva de color y compositiva. En esta como en otras obras, aparece un rifle, lo que le da al hecho cierto periodo de tiempo en el que puede ser ubicado por el uso de estas armas.
Otro tema que ha repetido Nerdrum es el Hermafrodita. “En la mitología clásica el andrógino
adopta el aspecto de Hermafrodita, el híbrido divino nacido del amor de Hermes y Afrodita….representa la unión armónica de los principios masculino y femenino, de acuerdo con la concepción esotérica de la divinidad como síntesis de todas las contradicciones fundamentales (el uno, el ser, el todo)….es el portador del conocimiento iniciático y del amor universal.”
En Hermafrodita de 1992, el personaje aparece dentro de un estanque de agua, observando su reflejo y siendo observado a su vez por otro personaje escondido en un montículo de un segundo plano; en una segunda obra sobre el tema, el mismo título implica la acción de cinco personajes en la composición, el paisaje crea atmósfera en ambas composiciones y se prolonga más allá de los primeros planos con porciones del mismo que denotan un horizonte.
En Odd Nerdrum, la erección, orinar, cagar, pelear, son hechos comunes. En muchos aspectos, algunos consideraran estos trabajos obscenos, el artista parece evitar el acto sexual en sí, para no entrar en lo pornográfico y su trabajo aborda cualquier imagen que tenga que ver con lo cotidiano. A la manera de Nerdrum lo coprofilico, necrofilico, escatológico y lo fálico son expuestos ante el público creando sorpresa, discusión y escándalo, lo cual ocurrió en la inauguración de una exposición en la galería Fórum en Los Ángeles, California en el año 2001, la prensa de esta zona de Los Ángeles , sin dejar de anotar la buena factura de la obra y considerar que al igual que Lucian Freud es de los pocos en estos tiempos que les importa el aspecto técnico y que hay una corriente de pintores jóvenes que los siguen, no dejo de contraponer el estatus y la forma de vida de la elite de los habitantes de la ciudad, y si serian capaces de colgar en su sala a tres mujeres cagando en una roca, que además tenía un precio de $ 265 000.00 dólares. Todo se vendió. En esta obra en particular es de hacer notar que la paleta del pintor se aclara, introduciendo mas tonos naranjas y dorados en los cuerpos completos de las tres mujeres y en el paisaje que se contrapone a la oscuridad y forma de la mujer del cuadro “Mujer orinando” de 1998.
Son parte de la misma exposición, dos autorretratos de Nerdrum en el primero en un espacio cerrado se presenta levantándose la capa y mostrando el pene erecto, fue comparado a la pose que realizo Demi Moore para un magazín mostrando su embarazo; en la segunda obra Nerdrum aparece en un espacio abierto con un paisaje lleno de claridad el artista porta su paleta de pintor en una mano y en la otra un pincel y lo titula “Autorretrato como el profeta de la pintura”, el culto a su ego es evidente, han sido muchos los pintores que se han retratado con su paleta o con su caballete, o que se han retratado punto, lo cual implica cierto egocentrismo, pero sin atribuirse ser el profeta de la pintura, excepción lo que hizo Gauguin, otorgándose atributos de divinidad colocándose una aureola sobre la cabeza, así como los símbolos de Adán, la manzana y la serpiente.
Las dos obras siguientes también forman parte de la exposición mencionada y les une una característica más, técnicamente Nerdrum establece como dominante el blanco, en este caso el blanco de plomo mezclado con los colores o aplicado solo, empastado o en veladuras.
En “en la cumbre” en un primer plano aparece un bebe, envuelto a la manera nórdica, una pareja de espaldas y desnudos sentados al borde de una cima, tienen ante sí la inmensidad de un paisaje lleno de luz que les da un aislamiento total, salvo su propia compañía. .
En los “vigilantes del mar” retoma el recurso de la réplica de formas y personajes, la paleta de color también se aclara en tonos ocres y el empaste se observa en algunas zonas de ambas composiciones
Con obras de posterior exhibición como “autorretrato como bebe” y el sueño del profeta las podemos ubicar dentro de la retórica de la pintura como injerencias antonomasicas, en el primero ubicando al bebe en un paisaje con árboles, cosa inusitada dentro de la temática en los paisajes de Nerdrum, el niño en una pose de meditación y con gestos en las manos de profecía, atrás de él en una pértiga cuelga una piel o animal, se implica que de un sacrificio o ritual. La composición es central, pero armónica.
En el sueño del profeta, Nerdrum repite su atribución profética y se ubica en un primer plano de la composición, en un lecho envuelto con pieles, pero con un cuerpo de hombre con senos y una vagina, cuyo sueños pretende ser interrumpido por el personaje con escudo y casco, hay otros observadores de la acción en un segundo plano de un paisaje hay otros observadores de la acción en un segundo plano de un paisaje que a lo lejos tiene volcanes en actividad por lo que se explica la oscuridad de la atmósfera de la obra. Por la forma en que está envuelto parece que el cuerpo esta mutilado de las rodillas hacia abajo.
El titulo y la acción aluden al sueño que de manera simbólica utiliza Nerdrum como todas las demás actitudes de los personajes de sus obras. El sueño como símbolo deriva de visiones místicas de monjes medievales y de la literaria profana y religiosa y se caracteriza, como un estado psíquico que escapa completamente al control racional de sujeto y libera sus pulsiones inconscientes.
Puede tener valor premonitorio, profético, introspectivo, iniciático, visionario, telepático o catártico.
CONCLUSIONES
En el pasado siglo XX, el arte ha sido definido con un extenso ataque a la mimesis, a la habilidad de imitar, A consecuencia de esto lo que llamamos básicamente dibujo, el trabajo de la mano, se ha perdido. En cambio el arte viene a ser cada vez mas y mas, esclavo de la ciencia y la tecnología, en otras palabras, que eso es lo que percibimos como una expresión de nuestro tiempo. A través de la tecnología se ha tratado de destruir la abierta, humana y aparentemente fácil e incontrolable descubrimiento del trabajo a mano. Algunos artistas han remado contracorriente, y son reconocidos, algunos por su larga trayectoria, pero aun así no dejan de ser criticados, otros por sus habilidades y exploraciones dentro de las técnicas de la antigüedad, ese es el caso de Nerdrum, mucho por eso y apoyándose en las teorizaciones de Kulka se define como un pintor Kitsch, su trabajo es bello, mas no bonito, puede o no gustar, puede incluso a desagradar, finalmente cumple con el objetivo que se marca en principio, “Hay que tener la libertad de escoger del pasado” . Es un artista que ha elegido pintar y pintar como en el pasado, sin artificios, solo la capacidad de observar y representar; cualquiera de sus tres formas en cuanto al formato que tiene para trabajar implican un laborioso trabajo que finalmente puede parecer peyorativamente bello, el paisaje en algunas ocasiones usado como escenografía, en otras como parte importante de lo que quiere significar y otras solo como lejos en los retratos, es parte fundamental en el suma de su obra, además de acuerdo a los tiempos que corren, ha sabido provocar, incidir en el mundo de la pintura, su manera tan sui generis de representar al hombre, sus mitos, leyendas y costumbres antiguas, le dan presencia en este mundo globalizado, en el que tendremos que aprender otra vez a apreciar lo pasado y “bien hecho”.
BIBLIOGRAFIA
BATTISTINI, Matilde, Símbolos y alegorías, Barcelona, Electa, 2003
KULKA, Thomas, KITSCH AND ART, Penn State, University Press, 1996
MIT, Geles, El título en las artes plásticas, I. Alfonso el Magnánimo, Valencia, 2002
NERDRUM, Odd, ON KITSCH, Noruega, Kagge Forlag, 2000
ROOB, Alexander, Alquimia y Mística, Italia, Taschen 2001
SCHAMA, Simón, Los ojos de Rembrandt, Barcelona, Plaza y Janes Ed. 2002
ARTICULOS
Avisos, ArtNews, abril 2000
SEED, John, arsiteguide.com
Odd Nerdrum, conference in The Astrup Fearnley Museum of Modern
Kitsch Serves Life de www.nerdrum.com/kitsch
www.nerdrum.com
excelente articulo oara empezar atener un panorama basico de este maestro del pincel y del color
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